A informação foi confirmada por sua filha ao jornal ‘The New York Times’. Ela foi casada com o pintor por quase uma década e tiveram dois filhos.
Françoise Gilot posa co suas pinturas em uma exposição em Milão, em dezembro de 1965 — Foto: AP
Françoise Gilot, pintora e ex-mulher de Pablo Picasso, morreu nesta terça-feira (6), em um hospital em Manhattan, em Nova York. A informação foi confirmada por uma das filhas da artista Aurelia Engel. Segundo o jornal “The New York Times”, Françoise estava lidando com doenças no coração e no pulmão.
Picasso e a artista, 40 anos mais nova, foram casados por quase uma década. Eles tiveram dois filhos, Claude e Paloma, e se separaram em 1953. Diferentemente das outras mulheres do pintor, ela continuou pintando e fazendo exposições de seu trabalho, além de escrever livros.
Quando se separaram, segundo Françoise, Picasso teria dito que as pessoas não se interessariam por ela. “Eles não se interessariam só por você. Mesmo que você pense que as pessoas gostam de você, vai ser apenas por uma curiosidade que elas têm sobre uma pessoa que tocou a minha vida tão intimamente”, disse ela, segundo o jornal.
Em 1970, ela se casou com Jonas Salk, um médico pesquisador americano que desenvolveu a primeira vacina contra poliomielite. Entre seus livros, ela escreveu “Minha vida com Picasso”, ao lado de Carlton Lake, e publicado em 1964 e que se tornou best-seller mundial.
O livro não agradou o pintor, que cortou relações com ela e com seus dois filhos, Claude e Paloma. A publicação também foi a fonte de inspiração para o filme “Os amores de Picasso”, com Anthony Hopkins no papel do pintor.
Suas obras de arte também tiveram sucesso. Seu trabalho pode ser visto no Metropolitan Museum of Art (Met) e no Museum of Modern Art (MoMA), em Nova York, e no Centre Pompidou, em Paris.
Em junho de 2021, sua pintura “Paloma à la Guitare” (1965), um retrato em tons de azul de sua filha, foi vendida por US$ 1,3 milhão (cerca de R$ 6,4 milhões na conversão atual) em um leilão online da Sotheby’s. Isso superou seu preço recorde anterior, de US$ 695 mil (R$ 3,4 milhões na conversão atual), pago por “Étude bleue”, um retrato de 1953 de uma mulher sentada, em um leilão da Sotheby’s em 2014.
Em novembro de 2021, sua tela abstrata de 1977 “Living Forest” foi vendida por US$ 1,3 milhão (R$ 6,4 milhões na conversão atual) como parte de retrospectiva de seu trabalho na Christie’s em Hong Kong.
Segundo a CNN, colecionador levou as duas peças para serem avaliadas após encontrar a inscrição ‘Qianlong’ em um rótulo em uma delas; vasos vão a leilão no próximo dia 16
Vasos comprados por US$ 25 em brechó; peças são da dinastia Qing. Foto: Divulgação/Roseberys London
Um colecionador apaixonado por objetos de cerâmica acabou descobrindo que um par de vasos que ele comprou por US$ 25 (cerca de R$ 123) em um brechó na cidade de Londres, na Inglaterra, na verdade são peças que datam da dinastia Qing do século 18, da China, diz a CNN. Segundo o veículo, as peças, que irão a leilão na Roseberys no dia 16 de maio, podem ser vendidas por até US$ 62,7 mil (cerca de R$ 310 mil) .
O colecionador, que não foi identificado, comprou os vasos em um brechó e, após eccontrar a inscrição “Qianlong” em um rótulo em um dos vasos, decidiu levar os itens para a casa de leilões para serem avaliados. Qianlong foi o quarto imperador da dinastia Qing e reinou por seis décadas.
Em entrevista à CNN, Bill Forrest, diretor associado e chefe de arte chinesa, japonesa e do sudeste asiático da Roseberys, afirmou que os dois vasos imperiais chineses têm a técnica de pintura doucai, que era usada no início da dinastia Ming, e que porcelana imperial chinesa é “rara”, porque foi encomendada apenas para a Corte Imperial.
Inscrição ‘Qianlong’, em rótulo debaixo dos vasos. Foto: Divulgação/Roseberys London
Forrest também disse ao veículo que o vendedor irá doar uma “porção significativa” do seu lucro com os vasos para a instituição de caridade proprietária do brechó onde os comprou. Ele não especificou o valor da doação.
Artista Boris Eldagsen apresentou uma foto em tom sépia, que mostra duas mulheres de frente para a câmera, como se fosse uma fotografia do início do século 20
Imagem feita pelo alemão Boris Eldagsen, feita com uso de Inteligência Artificial Foto: Boris Eldagsen
AFP – O artista alemão Boris Eldagsen causou polêmica ao ganhar o prestigioso prêmio de fotografia Sony World Photography Awards com uma imagem gerada inteiramente com a ajuda de Inteligência Artificial (IA).
Acusado pelo júri de ter “mentido deliberadamente”, Eldagsen disse ter sido transparente sobre a natureza de sua obra, mas decidiu recusar o prêmio.
A obra Pseudoamnésia: O Eletricista é uma imagem em tom sépia, que mostra duas mulheres de frente para a câmera, como se fosse uma fotografia do início do século 20. Ele recebeu o prêmio de melhor fotografia criativa do Sony World Photography Awards em março.
A fotografia é um dos campos artísticos mais afetados pelo advento da IA, que permite a qualquer pessoa criar imagens ultrarrealistas simplesmente conversando com um “chatbot”.
“Eu competi para provocar, para saber se as competições estão prontas para a chegada da IA. Não estão”, disse ele.
Em um comunicado, o concurso fotográfico afirmou que, a pedido do artista, retira a obra da competição.
“Levando-se em conta suas ações e declarações subsequentes (…) não acreditamos mais que seja possível ter um diálogo construtivo com ele”, afirmou o Sony World Photography Awards em seu comunicado.
O artista conceitual italiano Maurizio Cattelan fala sobre sua amizade com o renomado colecionador de arte Dakis Joannou exclusivamente para a edição de arte DSCENE.
DSCENE Art Issue
A DSCENE Magazine colaborou com o artista conceitual italiano MAURIZIO CATTELAN na capa exclusiva de sua última edição de arte intitulada “Fever Dreams” com o colecionador de arte de renome mundial DAKIS JOANNOU . Conhecido por sua abordagem humorística e satírica da arte, Cattelan provoca e desafia os limites dos sistemas de valores contemporâneos.
Como você conheceu Dakis Joannou? UM APLICATIVO DE LINHA DE NAMOROS PARA OS AMANTES DE ARTE: DEPOIS DE MAIS DE 25 ANOS CONTINUAMOS FELIZES E VAMOS JUNTOS VER MOSTRAS E FEIRAS DE ARTE.
Quando e como vocês começaram a trabalhar juntos? LOGO APÓS O NOSSO PRIMEIRO ENCONTRO, FOI AMOR À PRIMEIRA VISTA.
Qual foi a primeira peça que ele comprou de você e qual é a história por trás dela? ANTES DE COMPRAR, ELE ME DEU ALGO E ISSO FOI MUITO COMOVENTE E INESPERADO. FOI UM TRABALHO DE JEFF. ELE INSCREVEU O TRABALHO PARA MIM COM A SEGUINTE LINHA: COMPARTILHAR COMO FORMA DE APRENDER E APRENDER COMO FORMA DE PARTICIPAR.
O que o diferencia de outros colecionadores? DAKIS SEGUE O AMOR, O MERCADO O ENFASTA, VIVE DE ARTE E BRINCA CONSTANTEMENTE COM ELA. ELE ESTÁ ATRÁS DE IDEIAS QUE PODEM DESAFIAR O STATUS QUO E NÃO COMPROMETER O GOSTO. ELE TAMBÉM TEM UMA GRANDE COLEÇÃO DE NETOS.
Você pode descrevê-lo em 5 palavras? D ETERMINADO A RTÍSTICO K AMIKAZE S EXY I NVENTIVO
Originalmente publicado em DSCENE “Fever Dreams” Art Issue, disponível em IMPRESSO E DIGITAL .
O escritor e crítico de arte Oliver Basciano explora a ideia da “mulher monstruosa” para a edição de arte “Fever Dreams” da DSCENE.
Sara Anstis The Visit, 2022 pastel macio sobre papel 60 1/4 x 60 1/4 polegadas 153 x 153 cm Cortesia do artista e Kasmin
As figuras femininas nas pinturas de Sara Anstis têm hábitos estranhos. Em The Hunt (2022), uma jovem de pele esverdeada parece estar praticando caça submarina, exceto que empalou a própria perna esquerda, que atende dobrada ao meio, com os seios pendurados. Por sua vez, o objeto de sua presa, um peixe de cauda longa, parece sobreviver fora d’água, com a boca presa nos dedos indicadores esquerdos da mulher. Em Knot (2022), uma mulher igualmente esbelta e nua amarra um segundo a um tripé de lenha. Presumimos que uma pira está prestes a ser acesa, mas os olhos da vítima estão fechados e parecem vagamente repousantes. Um sacrifício voluntário, talvez. Certamente ela não expressa mais emoção do que três mulheres mostradas em Sleepers.(2020), que, diante de uma paisagem tipicamente deserta, cochila de pé contra uma série de postes de madeira curiosamente lisos.
Ao longo de dezenas de telas na mais recente exposição do artista sueco-canadense, na Paul Kasmin em Nova York, mulheres nuas mais esguias são retratadas, em grande parte sem expressão e desprovidas de emoção, enquanto se enrolam em cães e cobras, saltitam na água ou leem a uma foto emoldurada presa a uma árvore. Se essas obras históricas estivessem penduradas em um museu, alguém poderia recorrer à placa de informações ao lado da tela para obter uma explicação sobre qual mito está sendo retratado nesses quadros surreais, que significado oculto pode ser adivinhado nas cenas de Anstis, mas elas são na verdade, puramente de sua imaginação. No entanto, isso não significa dizer que eles são desprovidos de narrativa: Anstis é uma das várias pintoras que atualmente exploram noções de feminilidade “monstruosa”, um questionamento sobre qual comportamento, em um mundo cada vez mais censurável, é esperado das mulheres.
Sara Anstis, The Itinerant Mourner, 2022, óleo sobre tela, 86 5/8 x 70 7/8 polegadas, 220 x 180 cm, Cortesia do artista e Kasmin
Em seu estudo de 1993, The Monstrous-Feminine: Film, Feminism, Psychoanalysis , a teórica do cinema Barbara Creed desafiou a visão predominante das mulheres em filmes de terror como vítimas, escrevendo sobre – e celebrando – exemplos em que mulheres eram mostradas como monstros. De Carrie e O Exorcista à trilogia Alien , Creed observou que a monstruosidade das anti-heroínas femininas é frequentemente relacionada a seus corpos e sexualidade (desde o primeiro período de Carrie desencadeando sua possessão demoníaca até o slogan de Alien 3– ‘The Bitch is Back’ – referindo-se ambiguamente ao Alien ou à forte cadete espacial feminina de Sigourney Weaver). As estranhas figuras parecidas com sereias na pintura de Anstis também são arrepiantes, e sua nudez é mostrada não como uma vulnerabilidade, mas como uma força. Como é típico de seus personagens, em Lily (2022), uma mulher parece estar afogando outra mulher em um lago, mas a artista atrai os olhos do espectador não para essa ação assassina, mas para os lábios inchados e os mamilos vermelhos do perpetrador. Essa violência e nudez também são aparentes no trabalho de Emma Cousin. Ao longo de uma série de pinturas ricamente dramáticas exibidas no ano passado na Niru Ratnam Gallery em Londres, figuras, quase adrógenas, parecem devorar e afundar umas nas outras. charadas(2021) mostra cinco dessas figuras – carecas com olhos caídos e uma pele marmorizada de tonalidade vermelha, amarela e laranja – interagem. Um parece lamber os olhos de outro, que por sua vez vomita a cabeça de um terceiro. Os narizes entram nas orelhas, os dedos nos narizes. É uma orgia grosseira. Todas as pinturas da mostra foram intituladas após jogos, mas Noughts and Crosses (2021) poderia igualmente referir-se aos orifícios em exibição. Aqui também os dedos entram nas bocas circulares escancaradas de três, talvez quatro, mulheres entrelaçadas, enquanto as vaginas em forma de X são abertas. Esse conteúdo sexual explícito, no qual os corpos não apenas se abraçam, mas peles e partes do corpo parecem se fundir ao ponto do grotesco, também é motivo da artista canadense Ambera Wellmann. No Beijo Indireto(2020) em meio a uma floresta de papoulas vermelhas, duas figuras femininas parecem estar caindo ou alcançando o ânus de uma figura muito maior. Em Nosegaze (2020), duas mulheres se abraçam a ponto de suas pernas se tornarem uma massa parecida com um espaguete. Na vasta vista Orbit (2022), com mais de dois metros de comprimento, uma multidão envolve uma orgia tão frenética que formas humanas distintas quase desaparecem.
O alargamento é uma técnica empregada por Gina Beavers, suas reproduções em close-up de imagens selecionadas de tutoriais de maquiagem e imagens de estoque de lábios vermelhos rubi e olhos pretos de cílios longos, ainda mais aterrorizantes por sua interpretação deles em baixo-relevo. Outras obras vão além em seu horror: Liz Phair ‘Parasite’ Butt Cake (2020) retrata a parte inferior das costas até as coxas de uma mulher deitada de bruços em calcinhas brancas sensuais semelhantes a tangas. Exceto que uma mão invisível está cortando uma fatia de bolo de sua nádega esquerda. Lá dentro, como uma esponja colorida, desenrola-se uma cena entre um homem e uma mulher. sutiã de mão(2015) mostra o torso de uma mulher bronzeada, seus seios grandes presos por um sutiã aparentemente feito de mãos humanas. A pintura subverte um toque indesejado de mãos masculinas, voltando a violência contra o homem (como se a personagem da rainha dos gritos Marilyn Burns em Texas Chainsaw Massacre tivesse virado o jogo contra o serial killer de rosto humano do filme). Ambas as últimas obras são cenários assustadores de pesadelo que, como as pinturas de Anstis, Cousins e Wellman, podem encontrar precedentes em surrealistas femininas anteriores.
Dorothea Tanning, falecida em 2012 aos 101 anos, trouxe o psicodrama feminino para o surrealismo. Muitas de suas obras se desenrolam em ambientes domésticos e, como o tropo de emaranhados presente na obra contemporânea de Anstis e Cousins, muitas vezes envolvem protagonistas femininas sendo tropeçadas ou amarradas por elementos teniculares. É um motivo que remonta à figura grega da Medusa, uma górgona feminina com cobras venenosas vivas no lugar dos cabelos, que tinha o poder de transformar os homens em pedra. Em uma de suas obras mais famosas, Eine Kleine Nachtmusik (1943), duas garotas são mostradas em um tapete vermelho no topo de uma grande escadaria. Um grande girassol parece ter subido os degraus, seus galhos tateando em direção a eles. O cabelo de uma garota fica em pé e seu vestido se desfaz em mechas. É um sonho de ansiedade a claustrofobia. EmChildren’s Games (1942) outras duas meninas rasgam o papel de parede para revelar partes do corpo sexualizadas. Um corpo possivelmente adulto jaz morto a seus pés. A ideia de fuga sexual é grande. A percepção do papel das mulheres como presas em casa – e sonhos de liberdade – também aparece na obra de Leonora Carrington, na qual mulheres e animais selvagens frequentemente se encontram nos arredores de salas e quartos sóbrios. Em seu Auto-retrato (ca. 1937–38), a artista está sentada em uma sala de jogos ornamentada, com a mão apontando para uma hiena viva. Um cavalo de balanço, preso à parede, olha pela janela para um cavalo real quase idêntico galopando pela paisagem arborizada além.
Sara Anstis, The Hunt, 2022, óleo sobre tela, 78 3/4 x 63 polegadas, 200 x 160 cm, Cortesia do artista e Kasmin
Dado que o ‘feminismo monstruoso’ depende de tropos oníricos, não é surpreendente, dada a rica história do realismo mágico, encontrá-lo praticado também por uma geração posterior de artistas femininas latino-americanas. Wilma Martins, a artista brasileira que morreu em setembro deste ano aos 88 anos, brincou com papéis de gênero e alegorias ao longo de sua carreira. Retornar(1967), uma xilogravura, mostra dezenas de pequenas figuras caindo de volta na forma vulcânica da vagina de uma mulher. Acima deles, um bando de mulheres observa dentro de um oval em forma de ovo. No entanto, sua maior contribuição para o gênero é uma série de pinturas em que nenhuma figura humana aparece, mas mostra animais e vegetação invadindo e renaturalizando cenas da domesticidade burguesa. Pequenos antílopes recuperam o quarto em um desenho sem título de 1974 e aquarela. Em outro jacarés vagam por uma sala de estar. Creed escreveu: “Quando as mulheres são representadas como monstruosas, é quase sempre em relação às suas funções maternais e reprodutivas”: abandonar o ambiente doméstico e permitir que a natureza selvagem assuma o controle pode ser o ato mais horrível – e libertador – que uma mulher pode embarcar. dentro do patriarcado. Da mesma maneira, enquanto as pinturas de Wanda Pimentel não apresentam obviamente ‘monstros’ à primeira vista, há um desrespeito caótico aos papéis de gênero do patriarcado. Uma pintura, criada em verde e vermelho berrante, de 1968A série de envolvimento mostra apenas um par de pernas femininas nuas pisoteando uma bancada de cozinha destruída. Há uma sensação sinistra de que os objetos em desordem – facas, garfos, uma chaleira fervendo – podem ser transformados em armas. Em outras obras da série do falecido artista brasileiro, outros objetos – cintos, cigarros, uma serra, todos mostrados ao lado de pernas anônimas, lânguidas, sensuais – cumprem um papel igualmente ameaçador. As mulheres de Pimentel são retratadas como gloriosas rebeldes – femme fatales – com as quais, como todos os sujeitos em todos esses exemplos de horror artístico feminista, somos convidadas a tomar partido. Em meio às orgias, violência e bruxaria, há uma enorme sensação de diversão libertadora. Coletivamente, eles nos levam a questionar quem são os doentes na sociedade, os emaranhados e sexualmente livres, ou a sociedade que eles monstrom.
Palavras de Oliver Basciano Publicado originalmente na DSCENE Art Issue “Fever Dreams”
OBTENHA SUA CÓPIA DA EDIÇÃO DE ARTE DSCENE “FEVER DREAMS” IMPRESSA E DIGITAL
A throwback to when Claire Tabouret finished her “fluffy landscape paintings” and monotypes in her L.A studio for her exhibition “Paysages d’Intérieurs” at Perrotin Paris (October 16 — December 18, 2021).
Um retrocesso para quando Claire Tabouret terminou suas “pinturas de paisagens fofas” e monotipias em seu estúdio em Los Angeles para sua exposição “Paysages d’Intérieurs” na Perrotin Paris (16 de outubro a 18 de dezembro de 2021).
Fundada em 2020, casa organiza ações que vão além da venda de obras VITÓRIA MACEDO
Obra parte da primeira exposição na Galeria Hoa – Wallace Domingues/HOA Galeria
SÃO PAULO -No dia 4 de fevereiro a galeria Hoa, formada por uma equipe totalmente negra, abriu uma nova sede, na Barra Funda, ocupando, agora, um imóvel maior. Antes, o espaço funcionava em Santa Cecília.
Situada na rua Brigadeiro Galvão, em um galpão de dois andares, a galeria se destaca pela sua fachada em um azul forte que acompanha as vigas internas. No lado de dentro, tecidos prateados descortinam obras de artistas negros e LGBTQIA+, em um conjunto que compõe a essência da galeria, segundo o curador Guilherme Teixeira. Hoje são 25 artistas representantes na Hoa e uma média de 20 conectados a ela.
A Hoa foi criada em 2020, no meio da pandemia, pela artista multimídia Igi Lola Ayedun, em um momento em que ela percebeu que muitos de seus amigos deixaram de ter oportunidades e estavam abandonando o mundo da arte. Foi com as obras de sua amiga Laís Amaral e de outros artistas que ela começou a galeria, primeiro em uma plataforma na internet. Em poucas semanas, todo o trabalho de Amaral foi vendido e, apenas dois meses após a fundação, a galeria já participava da versão online da SP-Arte, com a mesma mostra que inaugurou a nova sede. Nela havia obras em formatos de vídeos, pintura, fotografia, escultura, entre outros.
Neste ano, a casa volta a participar do evento, agora em formato presencial, no Pavilhão da Bienal, entre os dias 29 de março e 2 de abril. A partir desta quinta-feira (30) a sua segunda exposição, a individual do artista Bertô, que explora em suas obras a narrativa bíblica, vida cotidiana e o mundo dos sonhos.
A escolha de migrar para a Barra Funda não se deu por acaso. “É um lugar acessível no centro, ao lado do metrô, para que receba todas as pessoas com a porta aberta para a rua”, diz Ayedun. Ela afirma que muitas vezes as galerias acabam se tornando ambientes hostis.
Antes mesmo de abrir um novo endereço, a galeria já tinha ganhado visibilidade fora do Brasil. Foram feitas exposições, projetos e parcerias em países como Reino Unido, França, Bélgica, Estados Unidos, México, Marrocos, Espanha e Itália. “Isso daqui só é possível por causa do grande levante de exportação que a gente fez nos últimos três anos”, afirma Ayedun, que se define como galerista, artista e jornalista. Seu trabalho abrange pintura, vídeo, escultura 3D, fotografia e som.
Ela afirma que as ligações com o mercado internacional foram fundamentais para garantir um equilíbrio econômico para a galeria. Com mais visibilidade, diz, ela procurou jogar luz sobre a comunidade da qual pertence. “Como que a gente conversa com as pessoas que eram como nós antes de a Hoa existir?”, indaga.
Para isso, a galeria não será apenas um espaço de venda de obras de arte, mas terá uma programação de cursos, seminários e encontros feitos pelos próprios artistas da Hoa e convidados. “Mesmo que você não compre, pode fazer parte da Hoa”, diz Ayedun.
Exposição ‘Do vôo às narinas respirar, braços largos, mensagens ao vento’ da galeria Hoa – Divulgação
Nascida no bairro paulistano do Brás nos anos 1990, quando a região ainda não havia passado por um processo de gentrificação, Ayedun teve contato desde cedo com a militância –seus pais eram do movimento negro e fizeram com que a consciência racial e de classe fizesse parte de sua alfabetização.
Apesar de viver numa região então marginalizada, sempre estudou em colégios particulares, com bolsas de estudo. Esse era o maior incentivo de seus pais. “Com educação você vai longe, com educação você tem tudo”, eles lhe diziam.
Igi Lola Ayedun, proprietária e fundadora da galeria HOA – Divulgação
Aos 15 anos ela começou a trabalhar como ajudante na editora Abril e depois virou jornalista, atuando inclusive como correspondente internacional. Durante anos Ayedun cobriu moda, arte e cultura na Europa e trabalhou como stylist.
Foi só nos últimos anos que a galerista se reconectou com o Brasil e entendeu as necessidades dos artistas locais. “Vi o quanto que eu tinha desenvolvido credenciais que podiam servir como emancipação de mais pessoas”, diz.
“A Hoa como projeto começou no dia em que eu comecei a escrever reportagens sobre jovens talentos racializados na arte na moda e da criação”, afirma. “Depois eu fui entender que eu conseguia expandir para fosse algo vivo, estrutural e físico”.
Natural de Bangu, pintora expõe 15 telas na mostra ‘Luz no caminho’, que retratam cenas de seu cotidiano e de sua intimidade Por Nelson Gobbi
Leoa e uma das obras da exposição ‘Luz no caminho’ — Foto: Leo Martins
Inaugurada no sábado (18), na Biblioteca do Museu de Arte do Rio, a individual “Luz no caminho” reúne 15 telas da artista Leoa, natural do bairro de Bangu, na Zona Oeste do Rio. Em sua primeira individual em uma grande instituição, em cartaz até agosto, a pintora destaca o cotidiano do subúrbio em imagens afetivas, como a avó Margarida cozinhando, o ponto dos mototáxis ou uma mesa bagunçada com garrafas e pratos, ao final de uma festa de aniversário.
— A pintura traz a minha intimidade, quase todas são cenas da minha própria casa, ou da minha rua. Pode ser uma imagem do meu pai ajudando na minha mudança, ou um autorretrato em que estou preparando um banho de ervas, como boa macumbeira, filha de Oxalá — brinca Leoa, explicando a origem do nome artístico. — Muita gente acha que é pelos cabelos, mas é pela força que o animal representa. É a fêmea que sai para caçar enquanto o leão cuida dos filhos.
A representação da força feminina fica evidente em várias das obras da artista de 25 anos, um dos temas centrais de seu campo de pesquisa.
— Isso já vem do fato de eu ser uma mulher preta periférica, do peso que isso traz. E também do fato de ter tantas mulheres no meu cotidiano. Então, quando pinto uma mulher varrendo a calçada, diante do portão, pode ser uma vizinha, ou uma desconhecida. Mas também é a minha mãe, que tantas vezes vi fazendo isso — explica.
O autorretrato ‘Banho de ervas’ — Foto: Divulgação
Após trabalhar em contabilidade por cinco anos, até 2021, Leoa decidiu abandonar o antigo emprego e se dedicar apenas à arte. Após um início autodidata, no ano passado ela conseguiu um acordo com a Sociedade Brasileira de Belas Artes, na Lapa, para utilizar o espaço, até que, por meio de seu perfil no Instagram, começou a comercializar as primeiras obras.
— Trabalhei em vários escritórios de contabilidade e sempre saía porque ficava desenhando durante o expediente — diverte-se Leoa. — Depois consegui esse acordo, em que dava oficinas de arte e eles me deixavam praticar lá. Tecnicamente, fui estudando sozinha e me desenvolvendo, e também tendo contato com pessoas que me aconselhavam.
Tela ‘Quero seguir seus passos’ — Foto: Divulgação
Na individual curada por Marcelo Campos, Amanda Bonan, Jean Carlos Azuos, Thayná Trindade e Amanda Rezende, da equipe do museu, também se evidencia o uso de tons de cinza em destaque entre as cores das telas.
— Como estou sempre na rua, vejo muito esses tons de cinza, de uma barricada de cimento na comunidade, de uma parede descascada. Gosto de trabalhar com massas de tonalidades diferentes de cinza, e quando você se aproxima da tela as imagens vão perdendo a nitidez e ficam quase abstratas. Ao mesmo tempo, o cinza me traz o desafio de preencher de vida a tela com as outras cores — conclui a pintora.
Pintores e ilustradores auxiliam cientistas em ferramenta que impede Inteligência artificial de se aproveitar dos seus trabalhos on-line Por Hmir Hill, do New York Times — Nova York
Karla Ortiz, ilustradora americana que ajudou pesquisadores a projetar um software que impede que seus trabalhos on-line sejam copiados pela IA – Foto: Jim Wilson/The New York Times
Os robôs tomariam os empregos dos seres humanos. Isso estava garantido. Em geral, acreditava-se que assumiriam o trabalho manual. Mas agora, ferramentas de inteligência artificial (IA) criam imagens que vencem concursos de arte e compõem capas de livros, o que está deixando artistas preocupados com seu futuro. Outros dão um passo adiante, buscando proteção contra “plágios” da máquina. Explica-se: acessar o trabalho de humanos permite a softwares como o aplicativo viral Lensa aprimorar seu estilo.
— A postagem de obras on-line é o modo de muitos artistas anunciarem seus serviços, mas agora estão com medo de alimentar esse monstro que se torna cada vez mais parecido com eles — observa Ben Zhao, professor de ciência da computação.
Essa situação levou Zhao e uma equipe de pesquisadores de ciência da computação da Universidade de Chicago a projetar uma ferramenta chamada Glaze, que visa impedir que modelos de IA aprendam o estilo de um artista. Para projetar a ferramenta, que planejam disponibilizar para download, os pesquisadores entrevistaram mais de mil artistas e trabalharam com Karla Ortiz, ilustradora que vive em San Francisco.
Digamos, por exemplo, que Ortiz deseje postar novos trabalhos on-line, mas não queira que sejam roubados pela IA. Ela pode fazer o upload de uma versão digital de seu trabalho para o Glaze e escolher um tipo de arte diferente do seu — arte abstrata, digamos. A ferramenta então faz alterações na arte de Ortiz no nível dos pixels que a IA associaria, por exemplo, à tinta salpicada de Jackson Pollock.
Para o olho humano, a imagem ainda se parece com seu trabalho, mas o modelo de aprendizado de máquina captaria algo muito diferente. É semelhante a uma ferramenta que a equipe da Universidade de Chicago criou para proteger fotos de sistemas de reconhecimento facial.
A equipe da Universidade de Chicago admitiu que sua ferramenta não garante proteção total e pode levar a contramedidas por qualquer pessoa decidida a imitar determinado artista.
— Somos pragmáticos. Vemos o programa como um obstáculo antes que a lei, os regulamentos e as políticas se atualizem. Ele visa suprir essa ausência — comentou Zhao.
Segundo Jeanne Fromer, professora de direito de propriedade intelectual da Universidade de Nova York, as empresas podem ter um forte argumento de defesa:
— Como os artistas humanos aprendem a criar arte? Em geral, copiam coisas e consomem muitas obras de arte existentes. Em certo nível de abstração, você poderia dizer que as máquinas estão aprendendo a fazer arte da mesma maneira.
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